Archive d’étiquettes pour : art

Le magazine ART & DESIGN a réalisé un artiste sur mon art, et j’ai 8 exemplaires du magazine à vous faire gagner !

Mettez « je participe » en commenaire si dessous, je contacterai les gagnants par mail dans une semaine !

(le 20 juin 2023 je contacte les gagnants, si je n’ai pas de réponse sous 3 jours, je désignerais un autre gagnant, donc mettez un mail que vous regardez, et attention à ne pas faire de faute)

Réserver à la France métropolitaine uniquement.

 

 

 

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J’ai testé les couleurs à effet nacrés avec les peintures acryliques « pearl » de la marque AMSTERDAM de chez ROYAL TALENS.

La gamme Amsterdam Standart Series sont des peintures acryliques de qualité fine, avec un large nuancier : 8 nuances transparentes, 8 couleurs semi- transparentes, 25 couleurs semi-opaques, 29 couleurs opaques et 10 couleurs métalliques.

Les 6 couleurs « PEARL » :

 

Pour commencer j’ai posé un petit pâté de peinture sur un fond gris moyen (il est important que le fond ne soit ni blanc, ni noir)

En épaisseur, la peinture parait très blanche, laiteuse avec des légers reflets colorés

Peinture fraiche :

Peinture sèche :

 

Pour le test en couche fine, j’ai fais 5 bandes sur ma feuille : noir, blanc, marron, magenta et cyan, ce qui permettra de voir comment ce comportent ces peintures à effets sur différentes teintes et valeurs de fonds.

 

Perpendiculairement, j’ai fait les 6 bandes avec les acryliques Pearl, en chargeant un coté un peu plus que l’autre.

Je m’attendais à une peinture transparente avec un effet métallisée mais en fait elle fait un voile blanc plus ou moins opaque par dessus la peinture en fonction de l’épaisseur. C’est à prendre en compte selon l’effet que l’on veut donner à son tableau.
L’effet est visible en inclinant le support par rapport à la lumière, et magie des effets métallisés, les teintes se révèle !

 

Par contre, comme toute ces peinture à effets, elles sont très compliquées à prendre en photo :
En général on installe l’éclairage de coté pour éviter les reflet brillants sur la toile, et c’est justement cet angle de lumière qu’il faudrait pour voir les effets. La solution, quand c’est possible, est de montrer au moins une deuxième photo avec l’angle de l’appareil et celle de la lumière adaptés pour bien voir les effets métallisés.

C’est donc une peinture à effet très sympas, mais qui selon moi doit être utilisée judicieusement !
Sur le site, il est indiqué d’utiliser ces peintures sur des teintes sombres, et je pense justement que ce n’est pas du meilleur effet. Dans mon cas si je veux l’effet métallisé coloré, je ne veux pas forcement le blanc de la peinture, qui ça cassera la profondeur de mon fond sombre ou noir.
Il me semble plus esthétique de les utiliser sur des fonds pales ou blancs, ainsi, on va légèrement les colorer sans avoir le problème du blanc de la peinture… Mais rien d’absolu, ça depend vraiment de ce que l’on veut faire… 😉
Utiliser la peinture pearl sur un fond avec les même teinte fonctionnent bien aussi : pearl bleu (par exemple) sur un fond couleur ciel. Les croisement de souleurs sont un peu plus complique, pearl vert sur magenta

Je ne les ai pas encore utilisé sur un tableau, mais je sais que je le ferais, j’aime beaucoup la subtilité de ces peintures sur fond clair….

 

Ces peinture acrylique existes en :

817 Blanc nacré   •   818 Jaune nacré   •   819 Rouge nacré   •   820 Bleu nacré   •   821 Violet nacré   •   822 Vert nacré

Disponibles en 20, 120, 250 et 500ml

Si vous souhaitez avoir ces peintures, cliquez sur ce lien :
Peinture acrylique Amsterdam de Royal Talens

 

Voilà, j’ai fait ce petit article car je n’avais aucune idée du rendu quand j’ai acheté ces peintures, et que je me suis dit, que ça pourrais vous donner une bonne idée du rendu avant de les acheter…

Avez-vous des questions ?
Qu’en pensez-vous ?
Les avez-vous déjà testé ? Si oui, comment ?
Qu’aimeriez-vous que je teste ?

N’hésitez pas à mettre un commentaire ci-dessous 🙂

 

 

 

 

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Ça y est, Vous vous sentez l’âme d’artiste et vous vous lancer dans le dessin, ou vous souhaitez tester une nouvelle technique avec le pastel sec ?

Le pastel sec est une technique qui séduit beaucoup d’artistes amateurs, car c’est une technique simple : on prend le crayon, on dessine, on repose… Pas de solvants nocifs, pas d’innombrable pinceaux à nettoyer, pas de temps de séchage, et plus accessible financièrement…

Alors quel matériel vous faut-il pour débuter ? Je vais essayer de vous éclairer, avec aussi quelques conseils et astuces !

Et pour vous faciliter là tache, je vous mets les liens direct (en couleur) si vous souhaitez acheter le même matériel que moi !  😉

 

LE PAPIER :
Il existe plusieurs marques de papier, vous pouvez les tester, mais je conseille vraiment le Pastelmat de Clairefontaine
Il a une grande capacité pour retenir les pigments, ce qui nous permet de bien fondre les couleurs entre-elles et de superposer plusieurs couches.
Remarque : Il y a une légère différence de texture entre les différentes couleurs de ce papier ! À tester avant d’attaquer une oeuvre sur une nouvelle couleur de fond, car ça peut être assez déstabilisant.
Pour la teinte, j’aime particulièrement la Pastelmat « gris foncé » qui est un gris moyen légèrement coloré.
Je vous conseille le bloc n°7 pour débuter avec des couleurs de fond assez neutres :
Pastelmat version 7

Pour les débutant, je déconseille un peu les fonds colorés, car très souvent, les teintes choisies ne sont pas judicieuses, souvent desservent le portrait, et la couleur du fond influence les couleurs à mettre dessus.
Mais si vous voulez vous lancer avec des fonds colorés, les liens sont ci-dessous.
Outre les fond colorés, je déconseille l’anthracite et le blanc… Oui, je sais ça ne vous laisse plus beaucoup de choix ! ^^
J’explique : le pastel est une technique qui au début est très salissante (après aussi, mais on apprend à ne plus s’en mettre partout 😉 ), donc le blanc, c’est comme pour les vêtements, on évite !
Et le très foncé, comme l’anthracite, c’est parce que la texture est un peu plus délicate à gérer, et surtout parce si vous ne savez pas parfaitement gérer les nuances de pastels blancs ou très clair, le fond fond sombre va assombrir un peu le blanc, donc vous allez vouloir faire ressortir le blanc, et vous allez vous retrouver à rapidement saturer le papier et ne plus pouvoir rien faire…

Version 1 / gris foncé, gris clair, mais, bouton d’or.
Pastelmat version 1

Version 2 / Brun, Sienne, Anthracite, Blanc.
Pastelmat version 2

Version 3 / Blanc
Pastelmat version 3

Version 4/ Lie de vin, Sable, Bleu foncé Bleu clair.
Pastelmat version 4

Version 5 / Vert foncé, Vert clair, Bleu foncé, Blanc.
Pastelmat version 5

Version 6 / anthracite
Pastelmat version 6

Si vous souhaitez des format plus grands, voici les feuilles :
Pastelmat feuilles

Ou la version contrecollé, un peu plus cher, mais rigide
Pastelmat contrecollé

 

nuancier papier pastel Pastelmat

 

ESTOMPES :
Selon le style que vous souhaitez faire, vous pouvez ne pas estomper, estomper un peu, estomper beaucoup… Et pour cela, il existe deux type d’estompes : celles en papier et celles en mousse. celle en papier seront plus précise, et celle en mousse seront plus adapté pour les surface plus large. Niveau durabilité, les estompes en mousse, plus tendres, s’abimeront plus vite dû au frottement sur le papier.

Estompes papier 

Estompes mousse

 

CUTTER :
Un crayon pastel ne se taille PAS avec un taille-crayon !! Beaucoup de pastellistes amateurs veulent choisir la facilité, mais c’est une erreur ! Voici les raisons : la mine des pastels est abrasive et va littéralement émousser votre taille crayon en quelques jours. J’avais fait le test il ya très longtemps avec un taille crayon haut de gamme… Résultat : 1 semaine avant qu’il ne taille plus rien !  Et deuxième raison, vous gaspillez beaucoup trop de pigments ! Si vous voulez avoir une mine toujours bien taillée en pointe, vous utiliserez uniquement les pigments pile au centre du crayon, qui se retrouvent à la pointe une fois taillée, et tous les pigments autour vont finir à la poubelle, soit environ 90 à 99% de perte…
Donc, le geste est un peu technique au début, et d’une banalité ensuite, mais les vrais artistes taillent leur crayon au cutter !
Je vous conseille un cutter confortable avec une bonne prise en main (important!). Personnellement j’en ai deux, un gros avec grip, et un plus simple comme celui là :
Cutter

Est-ce que a vous intéresse que je fasse un article sur comment tailler ses crayons ?

PAPIER DE VERRE
Un débutant pense souvent que la mine parfaite est une mine très longue et bien pointue, pour dessiner très finement ! Pourtant quand vous regardez les pastellistes pros, très souvent les mines ont une toute autre allure…
En fait, à la manière d’un peintre qui changera de pinceau pour changer d’effet, il est important de pouvoir adapter le ponçage de la mine. Avec l’expérience vous verrez qu’il n’y a pas UN type de taille de mine idéal, mais plusieurs on fonction de ce que vous chercher à faire. Et ça, un taille crayon, ne le permet pas ça !
Papier de verre

ASTUCE : quoi faire de la poudre de pastel ?
Il vous faudra un récipient pour les épluchure de bois , et comme vous allez affuter vos crayons avec du papier de verre, vous pouvez choisir de récupérer les pigments. Ainsi, vous pourrez ré-utiliser ces pigments avec un couteau éponge Panpastel
Couteau éponge

Triez vos poudres de pastel en fonction de la couleur ! À part si vous utilisez toujours la même couleurs, sinon, le mélange finira par donner un gris plus ou moins coloré. Donc quand vous affutez vos pastel, vous pouvez trier vos pigments en fonction de la couleur, pour les utiliser par la suite comme les godets de Panpastel (Godets de pigments qui ressemblent à des palettes de maquillage) pratique pour les fonds et grandes surfaces et c’est beaucoup moins cher que des Panpastel ! )
Palette avec pots refermables

 

PORTE-CRAYON
Au début, les crayons seront tout beaux tout neufs, mais dès qu’ils font moins de 7cm, ça devient compliqué. Donc il vous faudra des rallonges-crayons j’aime bien ceux là, les moins cher, j’en ai environ une trentaine du même modèle.
Porte-crayon

 

GOMME MIE DE PAIN
Là, je vous conseille vraiment de prendre celle ci !
Il y a plusieurs marques de gomme mie de pain, mais j’en ai déjà eu qui étaient assez dures, ou friables qui font des toutes petites bouloches (fatalement, durée de vie très très courte)

Contrairement à une gomme classique, une gomme mie de pain doit être comme de la pâte à modeler, avec un bonne souplesse pour pouvoir la former comme vous le souhaitez !
À vous de la modeler en fonction des zones à effacer ou effets de vous voulez faire.
Autre avantage, la gomme mie de pain garde les pigments, et ne fait pas de résidu comme une gomme classique.
Gomme mie de pain 

CRAYON PASTEL
Il existe plusieurs forme de pastel : baton pastel carré, baton pastel rond, crayon pastel, godet…

Pour débuter, les crayon pastels sont vraiment bien ! Pratiques et moins salissants.
J’utilise plusieurs marques et je vous mets les prix actuels à l’unité :

Derwent  1.99€
Coffret Derwent

Faber castell  2.05€
Coffret Faber Castell

CarbOtello 2.25€
Coffret Carbotello

Conté à Paris 2.75€
Coffret Conté à Paris

Caran d’ache  3.75€
Coffret Caran d’ache 

À noter : les Faber Castell étaient de loin les moins chers, mais leur hausse de prix fait que ce sont actuellement les Derwent  les plus économiques, et niveau qualité ils sont vraiment bien aussi !

De manière générale, je déconseille les Conté à Paris, il n’ y pas vraiment de couleur exclusive à cette marque, ils sont assez chers, plus larges que les autres marques, et surtout, il y a régulièrement des « grains de sable » dans la mine, et si vous faite des mouvement rapides/appuyés au moment où vous tombez sur ces grains, vous allez griffer votre papier, et c’est difficilement rattrapable !

Pour les débutants je déconseille également les Caran d’ache : Chaque marque à sa proche texture, et même au sein d’une même marque, il y a de très subtiles différences entre les teintes.
Les Caran d’ache sont très « crémeux » voire un peu gras même si ce sont bien des pastel secs, et il faut déjà un peu maitrise pour les utiliser judicieusement. Par exemple, si vous faites une sous-couche avec, vous aurez du mal à faire accrocher par dessus les pigments des autres marques.
Cependant, ils ont quelques teinte incontournables (en tout cas pour l’art animalier) exclusives à cette marques, comme les teintes couleur « chair »

PASTEL BATON ROND :
Actuellement, il y a beaucoup plus de marque et plus de choix de teintes de pastel bâton rond qu’en crayon. Très pratiques pour faire des grandes surfaces, ils sont aussi plus salissants.
Personnellement j’ai uniquement tester  la marque Gallery, et j’adoooooore vraiment la texture !
Les autres marques sont peut être très bien, mais je n’ai pas testé encore, mais celle là, je peux vous la recommander !

Pastel rond Gallery unité

Pastel rond Gallery Coffret 

 

FIXATIF
NO WAY!!!! NEVER!!!
Mais parfois oui quand même ! Mais pas pour moi ! ^^
Haaaaaa le fixatif… Ce grand débat ! Avec ou sans ?
Et bien ça dépend !

AVEC FIXATIF : Si vous faites des tableaux au pastel à la manière de certains peintres qui superposent les couches, attendent des jours et reviennent sans trop savoir vraiment où ça va mener, par exemple avec des styles abstraits (mais pas que!), alors là oui, il y est tout à fait judicieux de mettre du fixatif. Le fixatif va permettre de cumuler les couches encore plus que ne le peut le papier normalement.

PAS DE FIXATIF : Si vous savez exactement ce que vous voulez faire, je déconseille le fixatif ! Le papier permet déjà de cumuler suffisamment de couche pour arriver directement au résultat que l’ont veut, sinon , c’est que pour le moment vous gérez mal la saturation du papier (ou que le papier n’est pas adapté, mais avec du Pastelmat, aucun problème !)
De plus, et le plus important, le fixatif va rendre vos couleurs plus transparente et un peu plus terne !!! Donc c’est ok, seulement si vous refaite un couche de pastel sur toute la surface pour cacher et pas seulement pour refaire une petite zone.

Pour les farfelus qui voudraient du fixatif 😉 :
Fixatif

 

LE VISUEL
Et pour avoir un visuel de référence  de qualité il vous faudra une tablette ou smartphone avec un bon écran. Il faut que les couleurs soit les plus fidèles possible à la photo , et souvent les écrans sont calibrés trop bleu.
Astuce : vous pouvez imprimer votre photo si vous souhaitez faire un cadrillage par exemple, mais si sinon, n’utilisez pas de version imprimée : il y a moins de couleurs et souvent moins vives sur une photo imprimées que sur une photos sur écran. 😉

ATTENTION : Pour reproduire une photo ou toute autre oeuvre, assurez vous d’avoir les droits !! Toutes oeuvres, même une photo trouvée sur internet est protégée par les droits d’auteur ! Sinon vous ne pourrez pas la diffuser sur le net, pas en expo et pas vendre votre tableau non plus !!) Vous pouvez contacter le photographe, faire vos propre photos (c’est le mieux !!), acheter sur une banque d’image, ou banque d’image gratuite (Pinterest, n’est PAS une banque d’image, juste un réseau social, où les droit d’auteur s’appliquent tout pareil! )

 

Qu’aimeriez-vous comme article ?
Test materiel ?
Une question ?
Une astuce à partager ?
N’hésitez pas à mettre un commentaire ci-dessous 🙂

 

 

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DEVENIR ARTISTE ?
… DEVENIR ARTISTE PRO À PLEIN TEMPS ?

 

Tu fais quoi dans la vie ? … »Artiste »… Ça fait rêver… Mais comme souvent, on ne voit seulement que le somment de l’iceberg…
Que ce cache t’il dessous ?

Cet article est un peu long mais il me paraissait important à faire ! Allez c’est parti, faites-vous une boisson chaudes et installez-vous confortablement ! 😉

J’ai très régulièrement des personnes qui me contactent car elle veulent devenir artiste (et depuis le debut du Covid, le nombre de personnes qui on voulu se lancer à explosé !!) Dans leur façon de se présenter, je sens qu’elles sont ultra enthousiastes et partent souvent « la fleur au fusil », sans vraies connaissances du marché, des nombreuses compétences indispensables et de l’épaisse concurrence déjà bien installée sur le marché…
Sans compter que, de manière objective, dans de nombreux de cas, le niveau technique est très insuffisant pour se prétendre « professionnel », espérer rivaliser et pratiquer des tarifs qui permettent de vivre correctement.

Derrière le rêve, il y a des contraintes bien concrètes qui peuvent avoir un impact très important sur votre vie ! Et parfois le retour à la réalité est très violent pour certains…
À travers cet article j’espère vous donner quelques bonnes questions à vous poser et pistes de réflexion avant de vous lancer, quelque soit votre style d’art ! 😉

 

SITUATION ARTISTIQUE :

LA GROSSE QUESTION QUI FAIT PEUR : 
Pourquoi un client vous achèterait un tableau plutôt qu’à un concurrent ? 🤔
Si vous répondez par « un prix plus bas que la concurrence », c’est la pire raison : on n’achète pas à un artiste parce qu’il ne vend pas cher ! Car celui-ci aura une image d’artiste bas de gamme et le client n’aura que très peu de considération pour son travail.
Alors pour votre excellent niveau technique et l’originalité de vos création ? Que faites-vous pour vous démarquer ? Quel est votre style propre ?
L’mateur d’art achète une qualité, une originalité, un style, une touche, une interprétation unique… Une partie d’âme de l’artiste !
Dessiner pour soi est une chose, mais devenir pro en est une autre, et vous devez absolument sortir du lot !
Trop d’artistes se contente de faire le minimum, ou pire, de copier le style d’un artiste qui a du succès… 🤮

VOTRE NIVEAU :
Le plus difficile : savoir estimer le plus justement son niveau artistique !
Objectivement êtes-vous plutôt débutant, intermédiaire, confirmé, grand maître dieu ultime de la peinture 😎 ?
Pour devenir professionnel,  il faut impérativement avoir un très bon niveau, quelque soit votre style !
Il faut assurer, que ce soit d’un point de vue pratique comme théorique : si on sait faire une super peinture mais qu’on est incapable de choisir le bon materiel de qualité et de travailler une toile pour qu’elle dure longtemps, il va y avoir des soucis sur le long terme et des clients pas contents !
Un très bon niveau technique à lui seul ne suffit pas pour vendre et en vivre si on a pas les compétences périphériques.

COMPÉTENCES
Être artiste, c’est être seul à mener son affaire, ça parait sympas, mais faut savoir le faire et il faut donc être multi-compétence ! (Sinon faut déléguer, et ça coute cher !)
Il faut savoir gérer les contacts client, savoir se vendre, démarcher des clients, des galeries, des sites web, publicités, magazine…
Êtes-vous capable de gérer toute votre communication ?
Pouvez-vous avoir un vrai site web référencé, flyers, cartes de visite avec une identité visuelle professionnelle ?
Il faut connaitre les outils de communication (Facebook, Instagram, Youtube, ect…), et savoir faire un peu de « community management »
Savez-vous à quel prix vous devez vendre vos tableaux en fonction de la quantité que vous êtes capable de faire par mois pour être un minimum rentable ?
Avez-vous des solides bases de photographie professionnelle ? Etes-vous capable de faire des retouches simples sur vos photos ? Faire du montage vidéo ? Etc…
Et pendant les expos, face aux clients potentiels, il vaut mieux être quelqu’un de sociable et qui s’exprime bien.

RÉSEAUX SOCIAUX
Quand j’ai commencé, l’algorithme de Facebook et Instagram permettaient encore une vraie visibilité (et encore, je suis arrivée un peu sur le tard) et la majorité de mes commandes venaient de ces plateformes.
Aujourd’hui, cette chance n’est plus là !! Et quelqu’un qui voudrait démarrer une page Facebook avec ses tableaux aura tout les peines du monde à la développer, et les autres plateformes sont clairement moins adaptées à la vente d’art.

LES VENTES 
Est-ce que vous avez déjà vendu /eu des commandes ? Ou est-ce que vous travaillez déjà à mi-temps avec un carnet de commandes bien rempli ?
Évidemment, si vous n’avez jamais rien vendu, je ne vous recommande vraiment pas de vous lancer directement à plein temps !
Commencez par prendre des commandes à faire le soir ou sur vos week-end (ne vous surestimez pas, gardez aussi du temps libre pour vous reposer), ensuite vous pourrez passer à tiers de temps ou mi-temps… Ainsi vous aurez toujours la possibilité de revenir en arrière si vous constatez que vous ne voulez/pouvez pas faire ce métier à plein temps.
Pareil si vous ne faites que des tableaux originaux. Commencez par voir si vous avez une bonne capacité de vente ! Ce n’est pas parce que vous venez de réaliser un très gros stock de tableau, que vous aller réussir à le vendre…

MOTIVATION :
Dessiner ou peindre le week-end par passion est une chose, mais le faire toute la semaine (oubliez les 35h, même les 40h…) en est une autre ! Êtes-vous sûr que vous pourrez tenir sur le long terme ?

LE TEMPS : 
On aimerait travailler à 100% sur nos tableaux ! Mais il faut prendre en compte qu’une grosse partie de temps n’est pas rémunérée et est dédiée à la gestion : répondre aux mails, faire les photos, les retoucher, mettre à jour le site, Facebook, Instagram, faire les comptes, faire des vidéos, traiter les commandes, faire les dossiers pour expos, ect…

 

SITUATION PERSONNELLE:
ARGENT :  Non, l’artiste ne se nourrit pas d’air pur et d’eau fraîche !
En effet, si vous avez déjà des problèmes financiers, il ne me semble pas raisonnable de vous lancer dans un métier aussi difficile. Il faut déjà avoir une bonne réserve de coté : pour assurer les prochains mois /années à venir, et aussi parce que le matériel professionnel coûte cher (tout le matériel artistique, matériel pour l’expedition des oeuvres, ordinateur, disques dur, appareil photo, éclairage, ect…)
ATTENTION : profiter du chômage peut paraitre une bonne idée pour se lancer, mais si vous ne parvenez pas à lancer vraiment votre affaire, un trou de 2 ou 3 ans dans votre CV vous sera préjudiciable face à un employeur… Sans compter qu’il est très dur moralement de revenir sur le marché du travail après l’avoir quitté pour ce genre de projet.

COUPLE / ENFANT :
Les aspects important : le temps disponible, l’état d’esprit, et l’argent.
Êtes-vous un jeune actif en couple avec quelqu’un qui peut subvenir au besoin de deux personnes, ou êtes-vous parents célibataire avec 4 enfants ?
Votre contexte va être déterminant, car vous n’aurez pas la même pression financière. Les premières années sont en générales très difficiles, donc si vous avez des enfants et déjà une condition financière compliquée, je déconseille vraiment de vous lancer en tant qu’artiste ! Votre choix aura des répercutions directes sur leur qualité de vie !
Le rythme de vie n’est pas le même : quand on devient artiste à plein temps on peut avoir une vraie cassure avec le rythme de vie de la plupart des gens, mais aussi parce que le 35h n’existe pas !
Être artiste en début de carrière peut créer des tension dans le couple, surtout si vous avez du mal à vendre créant une grosse différence de revenu dans le couple !

ANIMAUX :
Ça peut paraitre anecdotique, mais a ne l’est pas ! Un animal ça ne s’abandonne pas ! Un animal c’est à vie !
C’est un peu comme les enfants, et il ne faudrait pas que vos animaux pâtissent de vos choix… Avoir un chat ne demande pas trop de frais en général, mais si vous avez un cheval (et beaucoup d’artistes animaliers sont aussi cavaliers), c’est déjà un gros budget à la base et au moindre bobo, la facture est très salée, et parfois sur le long terme !
Autant vous pouvez vendre votre maison, ou votre grosse voiture pour une plus simple, mais pas vos enfants ou vos animaux, donc il faut y penser en amont !

SANTÉ :
On y pense pas forcement : pouvez-vous rester debout longtemps pour travailler sur une grande toile ou rester assis pendant des heures penché sur un dessin ? Et attention aussi si vous avez des risques de problème aux épaules, au dos ou aux poignets car il y a une vrai différence entre dessiner quelques heures de temps en temps et faire ça 40 à 70h par semaine…

 

 

NE VOUS FAITES PAS D’ILLUSION !
Une très très petite quantité d’artistes vivent très bien de leur art, une partie vit de manière assez précaire, et la très très grandes majorité ne pourra jamais en vivre, ni à plein temps ni même à mi temps sans un apport régulier à coté…
Ne vous lancer pas sans être vraiment sûr de votre affaire ! 😉

 

Voilà, cet article n’a pas pour but de démotiver, mais d’éviter un retour à la réalité violent pour certains…

N’hésitez pas à partager votre expérience en commentaire ! 😉

Y a t’il des aspects que j’aurais oublié qui vous semble important ?

Si vous êtes pro, comment avez-vous commencé et quels sont les problèmes que vous avez rencontré ?

 

PEINTURE À L’HUILE HYDROSOLUBLE :
J’ai mis beaucoup de temps à le mettre à la peinture à l’huile, car je vivait dans un petit studio, et les produits utilisés nécessite un espace aéré.
Et puis j’ai découvert qu’il existait des peintures… à l’huile à l’eau ! Dis comme ça c’est étrange ! En fait ce sont des peintures à l’huile modifiée qui sont donc hydrosoluble. C’est une peinture qui convient aussi pour les personnes alergiques aux solvants
C’est aussi beaucoup plus simple pour le nettoyage du matériel.
Les règles sont les même que pour la peinture à l’huile classique : donc toujours gras sur maigre, jamais l’inverse !

J’ai toutes la gamme de la marque Winsor & Newton « Artisan » et quelques tubes de la marque Cobra

Winsor & newton a un choix plus large de médium pour ses peintures hydrosolubles que la marque Cobra.

Winsor & Newton « Artisan » :
Base d’huile de lin et huile de colza modifiées
40 couleurs en 37ml ou 200ml
Temps de séchage, entre 2 et 12 jours

Cobra :
69 couleurs dont 35 mono-pigment
40ml ou 150 ml

Il existe la marque Georgian aussi, mais là, je n’ai pas testé. Si vous avez testé, n’hésitez pas à faire par de votre expérience en commentaire

Exemple de tableau réalisé avec les peinture Artisan de Winsor&Newton :

PEINTURE À L’HUILE CLASSIQUE :
Avec un appartement plus grand, je suis passée aux peintures à l’huile classique. Les hydrosoluble sont vraiment bien, et je recommande, mais je trouve qu’il y a un petit truc en plus que j’aime particulièrement avec les peinture à l’huile classique… et surtout on a accès a des palette de couleurs bien plus large qu’avec les hydrosoluble, certaines marques propose un nuancier de presque 170 couleurs…

Personnellement j’ai testé que la marque Rembrandt pour le moment, c’est une peinture à l’huile extra fine.

Il existe 2 niveaux de qualité de peinture :
Fine / Étude : Pour découvrir faire des test, se familiariser avec la technique. Pris abordable mais de qualité moyenne, peu de pigment. Mauvaise longévité.
Extra fine : Pour les artistes déjà à l’aise avec la technique et les professionnels. Pigments et liants de qualité. Prix plus élevé, en fonction du degré de finesse du produit. Meilleure résistance à la lumière et longévité.

Rembrandt :
120 couleurs dont 7 couleurs métallisées
existe 15, 40 et 150 ml

Cette marque me parait être un bon rapport qualité prix pour moi, mais il existe plusieurs autres marques, avec chacune leurs caractéristiques : large nuancier, qualité, composés non nocifs, ect …
pour citer d’autres marque d’huile extra-fine : Old holland, Sennelier, Lefranc Bourgois, Williamsburg, Mussine, Blockx, Gamblin, Lukas, Norma…

Je n’ai jamais testé, mais il existe aussi des huiles modifiées qui sèche plus vite, de la marque Griffin Alkyd.

Et vous quelle marque utilisez-vous ? En avez-vous tester plusieurs, et quel est votre avis ? … Un autre question ? Laissez-la moi en commentaire ! 😉

 

 

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Je vois très souvent des erreurs avec les clés de châssis… Et souvent ce sont des articles ou vidéos qui expliquent comment les utiliser…
Donc voici une petite explication !

• A QUOI ÇA SERT
Les clés de châssis sont des petits triangles de bois qui servent à tendre une toile à peindre. On les insère dans les encoches dans les coins de la toile.
On les utilise pour tendre la toile à la réalisation de la peinture mais aussi après plusieurs années, car la toile peu se détendre légèrement avec le temps :  Les châssis en bois peuvent légèrement bouger avec le temps et il faut savoir que les toiles en coton se détendront plus que les toiles en lin (c’est pour cette raison que j’utilise quasiment que des toiles en lin)
Les clés sont au nombre de 8 généralement, 2 par coin, mais parfois les grandes toiles en ont à la base des entrecroises.

• A QUEL MOMENT LES METTRE
Il faut impérativement les mettre avant de peindre ! Pour une raison simple : si la peinture est sèche et que l’on tend la toile, la peinture risque de craquer !

Cependant, pour les très grands formats, si vous appliquez du Gesso (apprêt blanc pour protéger la toile) sur votre toile avant de la peindre, je conseille de mettre les clés avant, mais de ne pas trop tendre la toile dans un premier temps ! Le Gesso en séchant va déjà modifier la tension et avec des grandes surfaces, l’effet est démultiplié !
Je me suis déjà retrouvée avec une toile dont le châssis s’était cintré pour cette raison…
Une fois le Gesso bien sec, on peut tendre la toile sans soucis. Le Gesso est légèrement élastique une fois sec !
Une fois le tableau fini, on peut retendre si la toile s’est détendue entre-temps.

Attention à ne pas tendre trop non plus, au risque de vriller le châssis. Pour voir si le châssis vrille ou pas, il suffit de le mettre à plat, normalement les 4 coins doivent toucher le sol.

• COMMENT ET DANS QUEL SENS LES METTRE
Trop souvent je vois des artistes, qui insèrent les clés dans le mauvais sens…
Il faut que ça forme un angle droit avec le montant du châssis, car ainsi le marteau pourra taper bien perpendiculairement.
Quand les clés sont dans le mauvais sens, la partie où vient taper le marteau, est en biais par rapport au montant du châssis et au sens d’insertion des clés, donc en plus d’avoir un mouvement pas dans le bon axe, on risque de casser les clés !

Avec un clou, on ne tape pas en biais dessus, c’est un peu pareil…

Seules exceptions : sur les très petits châssis, en dessous de 20x20cm, il peut être très difficile de mettre le marteau dans l’axe pour enfoncer les clés

• COMMENT SAVOIR SI C’EST BIEN TENDU ?
Quand la toile à peindre est bien tendue, le bruit change, un peu quand avec un tabour : mal tendu le bruit est plat, bien tendue, le son est plus percutant et résonne plus.

Une fois les clés enfoncées, on peut voir l’écartement entre les deux montants du châssis :

• CLÉ DE CHÂSSIS QUI NE RENTRE PAS :
Parfois les clés sont un peu plus épaisses que les encoches prévues. Il faut alors enlever de l’épaisseur.
J’utilise d’abord le cutter pour dégrossir et ensuite le papier de verre pour lisser et enlever encore un peu d’épaisseur.

Certaines clé de châssis sont pointues. Pour éviter d’abîmer la toile, il vaut mieux couper le bout.

J’espère que ce petit article vous aura aidé ! N’hésitez pas à laisser un commentaire 😉

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Article en lien avec  PASTEL : MES ACCESSOIRES

Je fais ce petit article, car on me demande très souvent quel matériel j’utilise. Alors voici mon expérience et mon avis sur les différents types et marques de pastels que j’ai.

CRAYON PASTEL :
J’utilise beaucoup les crayon-pastels, car ils sont adaptés pour faire des détails, facile à utiliser et moins salissant que les bâtons !
Ils sont général un peu moins chargés en pigments et ont plus de liant que les bâtons, car sinon les mines s’écraseraient à la moindre pressions.

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Faber Castell Pitt : 60 couleurs disponibles
Dans l’ensemble je les trouve assez bien. La structure n’est pas tout à fait homogène entre les différentes couleurs du nuancier, mais globalement la mine est assez dure.
C’est ma plus ancienne boite de pastels. D’ailleurs entre ceux que j’ai eux il y a 15 ans et ceux d’aujourd’hui, certaines couleurs ont gardées le même numéro, mais n’ont pas la même teinte (n°160 qui était couleur « pervenche » a été changé par un violet « lilas » )
Je me méfie de certaines couleurs, surtout le jaune pâle qui est trop peu couvrant à mon goût.
Le nuancier a peu de couleurs naturelles dans les tons : grège, beige, sable
C’est la marque de crayons-pastels les moins chers, donc c’est un très bon rapport qualité prix, je les conseille pour les débutants.

CarbOtello : 60 couleurs disponibles
Structure poudreuse et veloutée, j’adore ! Il sont très couvrant.
Les couleurs sur le crayons ne sont pas toujours très représentatives de la couleur de la mine, le pire étant le n°700, le crayon parait être jaune pale/ ivoire, or il est gris neutre.
Il y a deux bleus trop proches, 400 et 390 alors je trouve qu’il manque une couleur lavande dans le nuancier.

Derwent : 72 couleurs disponibles
Structure de la mine assez sèche et poudreuse.
Nuancier intéressant : j’aime particulièrement les couleurs « chocolat », « gris graphite » ou certains tons ocres…
Un peu trop friable parfois, certaines mines se cassent dans la longueur.

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Caran d’ache : 84 couleurs disponibles
Large palette de couleurs, teintes intéressantes dans les tons « chair ».
Il sont très couvrants, très crémeux, limite un peu gras, ce qui fait qu’ils doivent être utilisés avec tact avec les autres marques.
Point négatif : il sont assez chers par rapport aux autres marques.

Crétacolor : j’utilise sanguine, sépia, et le noir qui est très intense mais la mine est vraiment très fragile et il m’est déjà arrivé de perdre plusieurs cm du crayon en une fois, car la mine cassait dès que je voulais la tailler… Pas très rentable…

Conté à Paris : 48 couleurs disponibles
Les teintes dans les bruns et marrons sont intéressantes (crayon pastel, sanguine ou sépia), mais globalement c’est la marque que j’aime le moins, car Ils sont très larges or j’ai plutôt besoin de mines fines pour faire des détails et pour ceux qui utilisent un taille crayon, ces pastels ne rentrent pas dans tous…
Et le défaut principal est qu’il y a très souvent des « grains de sable » dans la mine, qui rayent le papier.
Ils sont plus cher que les Faber Castell, Derwent ou Carbotello, ce qui en fait un assez mauvais rapport qualité/prix.

Koh-I-Noor : 48 couleurs disponibles.
Les moins cher du marché. Très bon rapport qualité prix.
J’ai fait un article dessus :
https://skyzune-art.com/test-des-crayons…-i-noor-gioconda
Attention : il existe beaucoup de type de crayons pour dessiner (crayons de couleur, pastels, aquarellables…), donc si vous souhaitez en acheter, faite attention que ce soit bien des « crayon pastels », car les crayons de couleur classique et les crayons-pastels, de par leurs structures sont incompatibles ! 😉

PIERRE NOIRE :
J’utilise aussi les crayons pierre noire Conté à Paris , H, HB, 2B, 3B

BÂTON CARRÉ :
J’ai aussi des batons “carré” de la marque Caran d’ache, 84 couleurs disponibles :
C’est la seule marque que j’ai testé, donc je ne peux pas comparer avec d’autre, mais voilà ce que j’en pense : la structure est un peu plus ferme qu’en crayon de la même marque. Les bâtons permettent de faire des grands aplats, et des mouvement graphiques. Les coins pointus peuvent être intéressant pour faire des trais fins.

 

BÂTON ROND :
J’ai quelques couleurs de la marque Gallery, 200 couleurs disponibles :
Il existe beaucoup de marque pour les pastels en bâtons ronds, la forme traditionnelle du pastel. Ils ne me permettent pas de travailler en détail, mais ce sont pour les couleurs que je les ai acheter, surtout dans les tons indéfinissables, mélanges de blanc / gris / beige / brun /ocre / grège…
Ce sont pas les moins chers, mais les pastels Gallery, sont vraiment très agréables, un peu « poudreux/crémeux ». Les couleurs sont très couvrantes.

GODET :
J’ai aussi quelques godets de la marque PanPastel : 86 couleurs disponibles
Ils ne permettent pas de travailler très détaillé mais il sont très agréables pour faire des dégradés, des floutés, fondus, etc…
Ils s’appliquent avec des petites éponges type « éponge à maquillage », plusieurs formes sont disponibles pour des rendus différents.
Produit à la mode en ce moment, mais pour avoir une palette de plusieurs couleurs, le budget est assez conséquent…
J’ai aussi des pastels à l’huile, je ne les utilise pas pour faire des portraits photoréalistes, car ils ne me permettent pas de faire des réalisations aussi précises. Ils sont incompatibles avec les pastels secs !

 

Ce petit article est seulement mon avis sur les seules marques que j’ai. Je n’en ai pas testé d’autres pour le moment. Donc testez par vous même, et selon votre technique et votre ressenti. Vous trouverez peut être mieux ou moins bien, à vous de tester … 😉
Et vous, avez-vous testé d’autres marques ? Avez-vous des avis différents des miens ? Laissez votre commentaire ci-dessous 😉

 

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Article en lien avec PASTEL : MES CRAYONS

PAPIER :
J’utilise le papier spécial pastel de la marque Pastelmat, et je n’en ai jamais essayé d’autres, car je le trouve vraiment bien !
La gamme a 14 couleurs disponibles mais j’aime particulièrement la couleur « gris foncé » que je renommerais plutôt « taupe clair ».
Il y a une légère différence de texture entre les différentes couleurs. Si on est habitué à travailler avec une couleur de papier, la petite différence de comportement peut être un peu déconcertante.
Ce papier retient très bien les pigments, ce qui permet de pouvoir superposer plusieurs couches de pastels avant qu’il soit saturé.

RALONGE DE CRAYON :
Parce que dessiner avec un crayon de 2cm, c’est pas top !

ESTOMPES : 
J’utilise des estompes en papier qui permettent d’étaler et/ou d’estomper les traits de pastel sec.
Il en existe de plusieurs tailles.

CUTTER :
Pour tailler les crayons pastels, j’utilise un cutter pour garder un maximum de la mine. J’ai déjà essayer avec un taille crayon de pro, mais pour les mines un peu friables c’est un désastre, elle cassent ! Donc un cutter avec une lame aiguisée est pour moi la meilleure solution.

PAPIER DE VERRE :
Quand j’ai besoin d’une mine fine : une fois le crayon taillé, et  je le frotte sur le papier de verre. Attention, à ne pas en abuser, car les crayons réduisent vite avec cette technique !

ÉPONGE :
J’utilise des éponges « Sofft » de la marque PanPastel. Elles ont une texture comme les éponges à maquillage.
Il en existe de plusieurs formes, pour différent rendus. Très utiles pour faire des fondus dégradé, flouté… Personnellement, j’ai seulement trois formes d’éponge : la petite pointue qui se fixe sur le couteau, une moyenne en flèche et une moyenne pointe.
Les éponge sont assez chères je trouve, surtout qu’avec l’abrasion du papier spécial pastel elle peuvent s’abimer assez rapidement.

GOMME MIE DE PAIN :
Indispensable pour effacer les petites trace de pastels, ou estomper.

… Et un aspirateur !

Ce petit article est seulement mon avis sur les seules marques que j’ai. Je n’en ai pas testé d’autres pour le moment. Donc testez par vous même, et selon votre technique et votre ressenti, vous trouverez peut être mieux ou moins bien, à vous de tester … 😉

Avez-vous d’autres techniques ? D’autres accessoires ? Laissez votre commentaire ci-dessous 😉

 

 

LE CHEVAL DANS L’ART CONTEMPORAIN • TOME 10

Ils sont enfin arrivés ! Les livres sur l’art équin des Éditions Abbate Piolé dans lesquels plusieurs de mes tableaux sont présentés !
Plusieurs exemplaires m’ont été envoyés : Ils sont magnifiques !!

La recette de leur vente sera le seul moyen pour moi d’amortir le prix pour être publié, et je ne touche rien sur les autres exemplaires vendus sur le site de l’éditeur.

> 38€ + 10€ de frais d’expédition (pour la France)

« 34 artistes présentés sur 160 pages. La collection Art Animalier se devait de traiter le noble animal qu’est le cheval. Après avoir été tellement réclamé, c’est chose faite. (…) Cet ouvrage révèle le regard que les artistes contemporains portent sur le noble animal. Et force est de constater que le cheval n’y est traité… »

Disponible dans ma boutique :

Site des éditions Abbate Piolé